Теория искусства: что это, зачем она нужна и как применима в рисовании.

Приветствую всех, здравствуйте, немножечко о том, что будет происходить. Статья сегодня посвящена теме, теории искусства. Тема очень важная, вот особенно сейчас, когда очень много проводится мастер классов, которые показывают именно умения и навыки, выдают будущим художником, начинающим художником.

Приемы, способы рисования, не беря в расчет какую-то теоретическую часть, то что составляет ядро, замысла самой картины. Но к сожалению, одно без другого не существует, есть неразрывная такая связь теории и практики, и вот про теорию искусства как раз-таки мы сегодня и поговорим, и не только поговорим что это, но и поговорим как она применима и как строить свое творчество, основываясь на этих знаниях, как их связывать с умениями, ну и что из этого получается. Прям на примерах покажу и расскажу.

Ну я конечно представлюсь, вдруг кто-то нас читает в первые. Меня зовут Екатерина Крюкова, я член союза художников России и педагог художник во втором поколении. Я создатель Jotto Художественной Школы. Мы вместе с моим мужем это делаем, у нас занимаются в основном взрослые, немножко подростки.

Обучаем изобразительному искусству, в целом я сама обучаю более 15-ти лет, школа у нас 7 лет уже существует. Мы находимся территориально в Екатеринбурге, у нас есть курсы в записи, которые можно приобрести из любого города или страны, если вы говорите на Русском языке, но я про это еще немножечко попозже скажу, как раз в контексте нашей сегодняшний темы.

Вообще если говорить о теории искусства, давайте для начала, что такое искусство. Это комплекс целый видов, творческой созидательной деятельности, есть искусство: классические, древнейших, которые с нами на протяжение многих тысяч веков, которые существовали на заре цивилизации и которые до сих пор существуют и развиваются.

И есть искусства новые, которые появляются в развитие человеческой жизни, человеческой цивилизации, из столетия в столетия и приобретают такую некоторую уже готовую форму. Давайте я кстати возражу, какие вообще знаете виды искусств. Напишите мне пожалуйста. Вопрос простой, тут даже, наверное, каждый ребенок справится, хотя бы один пример. Ну к примеру, самое простое.

Ну, например, живопись, вполне себе древний, очень такой многоплановый вид искусства, танец, архитектура, скульптура. Эти конечно виды искусств существуют с незапамятных времен и до сих пор люди активно занимаются ими и по разному их интерпретируют и конечно они существуют уже в некоторой новой интерпретации, в новой ветке развития.

И сегодня в течение особенно 20-го века, появилось очень много и конечно в 21 века видов искусств, ну таких составных состоящих из разных видов, например, искусство театра она всегда вбирает и живопись, и танец, и комедию, трагедию сам театр, и скажем в некоторых случаях иллюстрацию, кинематограф, когда визуальные эффекты происходят на сцене, видеоряд показывается.

Такие виды искусств называют синтетическими, например, реклама, телевиденье уже относится к видам искусства, иллюстрация, компьютерная графика и конечно дизайн, все что связанно с технологиями. Все это объединено единой общей структурой, в основе любого вида искусства лежит практическая часть, ну вот то что выполняется, если это живопись, то это рисуется, если это литература, это пишется.

И теоретическая часть, это той которая лежит в основе, такие базисные положения, базисные знания, на основе которых художники, творцы создают свое произведение. И вот именно теория искусств она распространяется на все виды искусств, единственная разница что под каждый вид искусства она разная, в литературе она своя, в живописи она своя, в истории танца своя, но история искусства существует. Надеюсь всем понятно.

Есть основные положения теории искусств, я буду говорить в основном об изобразительном искусстве, потому- что мы с вами рисуем, я сама художник. Конечно я в этой теме глубоко погружена в эту тебя и лучше всего разбираюсь в ней, поэтому буду основывается на ней, но давать еще ссылки на другие виды.

Я выделю пять всего направлений теории искусства. Их вообще очень много, я остальные назову кратко, может быть вы еще сами кое-что вспомните. Но, первое, с чего начинается любая теория – это история. История искусства. История живописи, графики, скульптуры и архитектуры в нашем случае.

С незапамятных времен первобытного строя как она существовала, с чего начиналась, как развивалась в каждой из цивилизаций отдельно. И особнячком стоит у нас XXI век и XX век, где колоссальное развитие стилей, направлений, революции в искусстве происходили очень часто и много и история конечно здесь очень богата.

Для чего изучать историю искусств если мы просто рисуем?

Друзья, вообще, любая деятельность основывается на том, что уже существовало до вас. Чтобы не изобретать велосипед каждый раз любой творец, конечно, изучает то, что было до. Сейчас очень распространены в искусстве реплики – так называемые произведения, выполненные по мотивам, ну, например, поп-арта или, скажем, по мотивам какой-то конкретной картины.

Очень много сейчас реплик на Джоконду, на сотворение мира, вплоть до мемов даже (интернет-мемов). Все это говорит о том, что человек понимает, о чем это. Чтобы понять, о чем это, нужно это изучить, посмотреть, проверить, рассмотреть с разных сторон. В этом плане историю искусств, конечно, художникам стоит изучать не как искусствоведам (то есть не просто начитывать книги), а смотреть в комплексе: когда художник жил, почему он творил именно так, как формировался его собственный стиль, какие идеи он закладывал в свои произведения и как эти идеи выражены – посредством чего?

То есть для нас важно именно это. И на основе понимания, знания этих положений, процессов, событий мы уже можем создавать что-то свое. Тогда это будет уже не беспомощные какие-то картинки, перерисовки с фотографий – против которых я все время выступаю – а полноценное, осознанное, качественное произведение (если не искусства, то творчества по крайней мере).

Историю искусств начинать можно читать с разных книг и смотреть видео вполне, сейчас очень хорошие есть лекции по истории искусств на разных площадках. Такого плана книги вполне подойдут: обзорного типа (так, сейчас покажу поближе чтобы вы хорошо видели) – в нашем случае Паола Волкова (я, конечно, не очень люблю вот это издание, потому что собрано из кусков – такой Франкенштейн получается).

Паола - сама искусствовед - очень качественная, очень классная, безусловно очень умная и грамотная женщина, но книги, к сожалению, всего этого не передают - иногда прямо отрывки между собой в таком диссонансе находятся: в одном фрагменте говорилось об одном, а в другом- тоже самое, но с другой позиции. Такого не бывает.

Нина Дмитриева очень хорошие книги выпускала в свое время (это автор- искусствовед), Гнедич - на первых порах это все подойдет.

Или можно читать монографию художников – у меня, например, таких вот очень много книг – в которых описана биография (где-то в виде художественного произведения, где-то в виде критики для творчества), в любом случае это очень полезно и интересно.

Дальше следующий блок или следующий такой пласт теории искусства – изобразительного искусства в частности - это цветоведение и колористика. Это теория цвета так называемая, по ней пишут очень много книг, колоссальное просто количество – есть старые учебники, ну, например, Волкова, Зайцева (да, смешные фамилии).

У Волкова – это цвет в живописи, есть еще композиция в живописи (про которую попозже скажу), у Зайцева есть цветоведение, еще есть, по-моему, у Голубевой либо отдельная книга по цветоведению, либо в книге по композиции она уделяет этому место – ну и разные книги, например, «Желтый и синий не дают зеленый» и все подобного рода.

Давайте я вам покажу на классическом примере Иттена, книги Иттена – это преподаватель Баухауза в Германии, работал на рубеже веков в начале XX века большей частью и обучал студентов-дизайнеров. Кстати, до сих пор лучше ничего не придумали. Очень советую всем, кто обучается изобразительному искусству, дизайну, иллюстрации – вот такую книжку иметь дома!

Значит, о чем здесь речь? Во-первых, о том, как цвета взаимодействуют друг с другом, какие оттенки сочетаются или не сочетаются, как создаются из первичных цветов вторичные, третичные и далее, какие свойства есть цвета (мы про них говорим на нашем курсе с нуля «Цветовой тон, светлота и насыщенность»), какие есть цветовые контрасты - как их использовать для того чтобы выразить при помощи цвета определенные эмоции у зрителя, как использовать и какие задавать цветовые гармонии (если необходимо это). Вот такие даны схемочки вплоть до вот таких схем – цветовых созвучий, способов гармонизации и всего-всего такого.

Значит, для чего применяется? Неужели нельзя просто взять и нарисовать? К сожалению, нет. Особенно если вы хотите обучиться рисованию – не просто выразить себя и выплеснуть эмоции на лист – а именно глубоко погрузиться в тему. При создании этюда красками это приходится учитывать, приходится учитывать законы теплохолодности, как они влияют на локальный цвет (базовый цвет предмета); какие оттенки лучше использовать на переднем плане, какие на дальнем, насколько они разные по каждому из качеств; какой степени оттенки, сочетаемые или несочетаемые в конкретной работе; насколько важны именно эти цвета для выражения идеи.

Ну, например, скажем, если мы пишем какое-то радостное событие детское, скажем, детский портрет – конечно, мы не будем использовать допустим драматичные оттенки или резкие контрасты. Вот как раз об этом – как это лучше всего сделать – в этой книге сказано и не только в этой – именно для этого мы изучаем теорию цвета и колористику – то есть там говорим и о замесах и какие символики есть у цвета, в какие времена какие цвета были особенно популярны и где применялись и вплоть до того даже значение, которое читается через визуализацию каждого оттенка, ну скажем, в XVII-XVIII веках даже каждому цвету давали названия (некоторые смешные: цвет бедра испуганной нимфы или увядшей розы).

Что этот цвет обозначал? Человек, одевающийся в этот цвет, что хотел показать именно своим костюмом? Какие цвета носили, допустим, особы высшего сословия, а какие положено было, скажем, крестьянам или духовникам и как это отражено было в живописи того времени и как мы сейчас к этому относимся? Шикарные есть вещи, обязательно посмотрите книги на эти темы. Конечно, в собственной практике это все очень важно и обязательно.

Ну, например, давайте чтобы не на пальцах объяснять, посмотрим (вот у меня нет живописи такой прямо мазковой сейчас под рукой – у меня есть вот такая картинка символического плана – но все равно хорошо видно, как работает, например, цветовой контраст: вот этот нежно-желтый, желто-охристый с этим темно-серым; насколько выражена эта драма в темном силуэте на этом светлом фоне; как аккуратно вставлены эти вспышечки цвета, чтобы не было слишком скучно и в то же время цвет давал некоторый позитив. Даже я убираю вот, часть прикрываю, смотрите, уже более драматично выглядит. Цвет и оттенки влияют на наше восприятие и на понимание произведения. Понятно ли по теории цвета?

Едем дальше. Следующий блок или следующий раздел теории искусства – это композиция. И конечно в композиции, сама композиция — это сочинение, это структура произведения, конечно в ней не обойтись без особенностей зрительского восприятия. Я сейчас говорю не о компоновке, не только как расположить предмет или объект на листе, а о том, как придумать в целом картину.

Какие образы и как интерпретировать, как поместить, при помощи чего показать? При помощи, допустим, цвета или линии, или пятна. Какое пятно где расположить так, чтобы зрителю был комфортно и интересно. Это сама идея, сама задумка. Это задумка основывается на том, как зритель будет воспринимать картину.

Очень простой пример. Я рылась в одной из соц. сетей, каких-то популярных группах и увидела художника, который активно постит свои работы. Художник самоучка. Он создавал образы. Разные. В основном такие женские образы. Попал очень интересный мужской образ такого деревенского дедушки. Насколько я поняла, судя по самому рисунку, очень душевный, располагающий к себе, полный мудрости взрослый пожилой человек. Седенький, с морщинками, с такими светлыми детскими глазами. Это то, что подразумевал художник.

Но зритель считал все совершенно по-другому. Он увидел там болотное страшилище, увидел там некоторую такую интригу во взгляде этого человека, какое-то недоброе звучание мыслей. И соответственно в комментарии это все написали. Почему так произошло? Потому что художник нарисовал просто дедушку. Он просто взял краски и просто нарисовал. Не используя композиционные приемы. Он не расположил зрителя к своему персонажу. За счет жестов, за счет антуража, правильного расположения частей на холсте.

Он использовал не те цвета. Цвета были действительно болотные, коричневатые, мрачноватые. Они конечно говорили немножко о другом. Смысл в произведение вложили другой. И сама манера рисования была угловатенькая. И конечно это все неподготовленного зрителя раздражило и поэтому пошла такая реакция. Я думаю сам художник был удивлен. Вот чтобы такого не происходило, надо изучать композицию, структуру произведения.

Я люблю тему балета. Это эскизы целой серии. Вот смотрите композиционная структура. Есть центр композиции, самое важное. Оно выделено темными пятнами. Оставлено свободное поле чтобы зрителю где-то отдохнуть и перевести дух. И сконцентрировать внимание на самом главном.

Заданы четкие движения направления, которые передают динамику в листе, которые подчеркивают общее основное движение, не дают глазу уйти куда-то в другое место. Немножко разряжает динамику эти направления, но не убивают ее, они делают такой контур движения, который помогает немного передохнуть.

Ну или наоборот. Другой вариант. Использованы геометрические структуры, в которые вклинены фигуры. Здесь хорошо видно, например, раз два, раз два. Два квадрата, две фигуры считаются. Есть ощущение какого-то движения поступательного, ритмического. Даже музыки некоторой. Вот об этом речь, хотя средства изобразительные очень скупы. Так что композиция нам нужна для сочинения произведения, для донесения наших мыслей до зрителя.

Книг на тему композиций мало скажу сразу. Сам предмет композиция в изобразительном искусстве, в уроках рисования очень сложный, отрабатывается отдельно с каждым. Потому что мышление композиционное развивается индивидуально у каждого свое. И конечно это надо делать с педагогом. Но книги есть.

Я бы очень советовала вот эту вещь – «Искусство и визуальное восприятие». Здесь говорится о том, как работает силуэт, как работает расположение элемента по отношению друг к другу в листе и вызывает ассоциации. По поводу движения, как передать движение. По поводу равновесия композиционного центра. Здесь все это есть. Это один из вариантов. Он у нас сейчас плавно перетечет в следующий раздел про который попозже еще кое-что скажу.

По поводу композиции. У нас в школе есть курс композиции. У нас он объединен композиции и цветоведение. Курс достаточно длинный, но очень интересный, где можно попробовать разные способы композиционного мышления и изучить приемы. Именно там очень много теории.

И этот же курс есть у нас в записи. Там всего 6 занятий. Только первая часть отснята, но в этой первой части очень много именно вся теория там есть. Там я все словами проговариваю и на практике показываю. И конкретно в нем вставлен еще один урок по анализу интерпретации произведения искусства. Мы сейчас будем об этом говорить. Вы поймете, что это и зачем нужно. По композиции все понятно?

Едем дальше. Про анализ интерпретации произведения искусства. Во-первых, что такое анализ? Это распределение линий, форм, то есть снятие изобразительности картины. Разборка ее до схемы. Любую картину современного художника, не современного, древнего, классического можно разобрать до композиционного костяка.

И проанализировав средства изобразительные, которые художник использует, саму композицию – цвет, направления, силуэты, стилизацию если она есть. Про стилизацию вообще отдельный разговор. Можно понять не только идею автора, но и сопоставить, например, между собой две его работы или сравнит одного художника с другим для того, чтобы понять глубже, практичнее как это создавалось, для чего создавалось, какие изобразительные возможности художник использовал для достижения определенных эффектов.

Грубо говоря, это именно изучение истории искусств практической. Разборка такая. Мы на уроках композиции это делаем, то есть мы разбираем произведение до черно белой схемы геометрической. Стилизуем основные формы – животных, персонажей, людей, фрагменты натюрморта или пейзажа до геометрических форм простейших, плоских. Смотрим насколько они уравновешены. Каким образом они уравновешены? Изучаем композицию таким практически путем.

Находим управляющие линии, потом делаем аналогичную схему в цвете и на основе этой схемы создаем свое произведение. Представляете какая глубинная, серьезная работа. То есть получается мы не только мозгом подумали, увидели, осмыслили, но еще и сами повторили путь художника, но уже в своей интерпретации. Вот это вещи очень классные: они помогают серьезнее относится к тому, что мы создаем. То есть это уже не перерисовка с фотографии, не просто гоняние краски по холсту, а уже осмысленная деятельность.

Про анализ и интерпретацию говорить стоит. Есть специальные книги, они так и называются «Анализ и интерпретация произведений искусства». Я, к сожалению, не помню автора – она у меня в электронном виде, эта книжка, есть – очень хорошая. Там прямо отдельно разбираются живописное произведение, графическое.

И последнее из основного блока, последний раздел, так скажем, теории искусства – это технология живописных и графических материалов. Это для художника очень важно. Первое, почему важно – потому что то, что мы создаем, создается, как правило, на долгие годы. Мы же не делаем рисунок-однодневку, чтобы просто поучаствовать в этом процессе и выбросить. Мы стараемся сделать хорошо. Стараемся, чтобы это сохранилось, чтобы потом подарить или продать, или просто где-то у себя повесить дома и радоваться.

Или это будет этап вашего развития, который пойдет в стол, но это такой, важный очень этап для формирования вас, как творца. И для того, чтобы сохранность произведений была высокой, для того чтобы не было таких случайных эпизодов, что краска отшелушилась или резинка не стирает, мы изучаем технологию.

Технология – это то, посредством чего сделано это, это сама химия. Что в основе каждого материала, например? Какого качества графит? Или, скажем, можно ли мешать карандаш просто и карандаш угольный, и как именно мешать? Как использовать акварельные краски разной укрывистости? Например, можно ли перекрывать, скажем, кадмий желтый поверх ультрамарина? Что получится?

В масле это особая, целая песня, потому что масляные краски смешиваются сложно – есть специальные таблицы смешения, потому что не все краски дают между собой нужное смешение – сцепку. Есть те, которые не смешиваются вообще, есть те, которые при смеси дают не те оттенки, которые хотелось бы получить. Если к цветоведению, к цветовому кругу: смешивая красный и синий, мы должны получить фиолетовый.

Но, например, в живописи маслом, если мы мешаем кадмий красный светлый и, скажем, кобальт синий, такого фиолетового не получится. Получится коричневый. Просто потому, что качество краски определенное. Кадмий красный мешается только с красными или с желтыми. С зеленым или синим его уже не смешать – он не даст тех красивых благородных оттенков, которые нам нужны.

Бывают моменты, когда жухнет краска, и появляются такие неглянцевые сероватые пятна на картине. Это и в акварели тоже, когда нетактично используется акварель, например, втирается в бумагу, она тоже может пожухнуть. И такие работы хранятся мало, быстро портятся, и не очень эстетично выглядят. Чтобы этого не было нужно изучать теорию, технологию саму живописных материалов и графических материалов.

Я, когда училась, нам это читали все в виде лекции. Нам начитывали сначала графические материалы: какая бумага бывает, какой плотности. Кстати, у нас есть статья по поводу бумаги для рисования разной, обязательно посмотрите. И как использовать графические материалы, те или иные. Потом то же самое по живописи: начиная от того, как готовить холст, заканчивая тем, какими кистями писать, и, конечно, про сами краски.

Книг по этой теме мало, информации в интернете мало. Обычно она передается из уст в уста, от учителя к ученику, то есть от мастера уже к подмастерью. Потому что каждый имеет свою палитру, каждый художник, каждый мешает по-своему, каждый пишет своими приемами излюбленными. Я использую книги классические. Есть у Киплика хорошая книга по технологии живописи. Есть она в интернете в открытом доступе.

У меня есть еще такая вот шпаргалка (Живопись. Советы начинающим). Когда-то это было приложение к журналу «Юный художник», и вот тут как раз об этом и речь: как раз про масло. Давайте я немного покажу конкретно. Белые краски какие бывают. Уже какие-то вышли из обихода, но тем не менее. Чем отличаются, какие они в смеси. Можно ли, допустим, свинцовые белила использовать с вандиком в смеси, насколько они ядовитые. Выкраски даны и названия красок для общей палитры.

Не секрет, что для масляной живописи нужно порядка 50-60 цветов, чтобы живопись получилась полноцветной, но используются они не все в каждой работе. Для каждой работы делается выборка какая-то, ограниченная палитра. Мы на занятиях по живописи об это говорим, начиная с гуашевой живописи. Конечно, в масле то же самое.

Поэтому если хочется основательно это понять и осмыслить, добро пожаловать к нам на курсы «Рисование с нуля до портрета». Необязательно проходить весь курс, хотя очень желательно, если вы серьезно занимаетесь живописью. И на нем я рассказываю популярно: какие краски берем, какие смеси составляем, как ограничивать палитру в том или ином случае, чтобы достичь определенных результатов, и для чего это делать, почему зеленое не нарисовать зеленым, и прочее, и прочее. Так что очень советую. И вот конкретно так по каждому цвету, по каждой краске.

Почему именно так? Давайте посмотрим. Я вам покажу сейчас картинки. Это живопись моего отца, масляная живопись. Смотрите, именно она сделана хорошо, технологично. Определенным цветом написан нижний слой – он не прожух, он выглядит сочным, хорошим. Поверх: стихийно, другими красками, похожими замесами по цвету написаны облака. Они в определенной манере, нужного качества.

Работе, кстати, лет уже 20, наверное, она в прекрасном состоянии, хорошо себя чувствует, хотя написана на картоночке. Даже не на холсте, на картоне, просто на фанере. Но вот эта технология сама и знание смесей, она, конечно, картину сохраняет на долгие годы. Вот именно этому стоит учиться.

И именно в природе мы так и видим. То есть нельзя все зеленое написать только зеленой краской – для каждого зеленого свой оттенок. Что туда мешать – это уже дело технологии. Поэтому вот для таких целей, конечно, технологию живописи изучать не только стоит, но и я настоятельно рекомендую.

Это основные, наверное, позиции теории искусства. Конечно, можно туда отнести еще такие большие разделы, как, скажем, эстетика – насколько эстетично или не эстетично явление. Что такое антиэстетика. Сейчас она очень популярна: все знают группу «Ленинград». Вот это как раз пример антиэстетики, когда (это тоже эстетика – антиэстетика) специально человек позирует, специально нарушает какие-то классические эстетические законы, это дань времени, это – прекрасно! Я это очень люблю. И чтобы в этом разбираться, надо это понять и изучить.

Эта дисциплина связана и с культурой, это культурология, это мировая художественная культура, тоже, кстати, бывает в виде монографии, бывает отдельными учебниками, философия культуры, вообще всё, что с культурой связано, я очень советую в этом плане вот эту вещь: Дмитрий Сергеевич Лихачёв – великолепный просто!

Конечно, он занимался литературой, литература – основная его деятельность, но именно записки о культуре у него очень грамотные, очень интересные и каждому образованному человеку, конечно, стоит изучить, посмотреть, почитать и, хотя бы в общих чертах понять. Это намного круче, чем любой учебник.

Сюда же можно отнести уже такие отдельные направления, блоки для обучения изобразительному искусству, как, например, перспектива – как раздел начертательной геометрии, которая базируется на знаниях математических геометрии, очень близка к черчению. Но для художников непременно стоит изучить и понять ее, особенно, если занимаемся изображением людей: как выстроить голову, чтобы она была соразмерна, занимала нужное положение при определенном взгляде и, конечно, для рисования пейзажей.

Важна для художников пластическая анатомия. Я думаю, тут вообще без комментариев, всё итак понятно, где применяется и как применяется. Важны также дисциплины, связанные именно вот с организацией, с непосредственной структурой видов искусств, из чего оно состоит. Ну, скажем, графика, да, например, какая она бывает, какие бывают виды графики, чем они отличаются?

Каким способом создаётся изображение в том или ином виде? Ну, скажем, оригинальная графика от печатной очень сильно отличается и по манере исполнения и по материалу, которым создаётся. Ну и, конечно, визуально по технике, вот об этом речь. Ну и много-много чего ещё здесь можно назвать: и теорию архетипов, которые нужны для создания сюжета произведения, что имел в виду автор, да? В каком виде красную шапочку изобразил? Это и семиотика, где изучаются знаки и символы.

И философия. Кстати, философия искусства — это вообще отдельное направление в изобразительном искусстве, тоже очень развитое. Непременно при обучении стоит смотреть это направление. Я люблю Флоренского, замечательного Павла Флоренского философа 20-го века, шикарные вещь, здесь особенно будет интересно тем, кто религиозной живописью увлекается и хочет понять смысл, назначение, характер иконописи. Вот великолепно и очень хорошо, кстати, говорит об этом и тот же Лихачёв, где он сравнивает станковое произведение, обычную живопись, созданную на станке, светского типа и духовную живопись. Очень интересно. Непременно советую вам посмотреть, почитать.

Это, наверное, пожалуй, самое важное, на что стоит обратить внимание и как вообще поступить при создании такого комплекса знаний, умений, навыков при рисовании, на чём стоит базироваться. Обо всём это мы, конечно, на наших курсах говорим. Практически на всех курсах: есть где теории побольше, есть где теории поменьше, но теория везде есть.

И историю искусств я обычно тоже немножко наговариваю на словах, чтобы было понятно и показываю иллюстрации, чтобы начинающие молодые художники, и не очень молодые, но начинающие, понимали, как это сделано, зачем это делается, почему мы именно так работаем.

У нас есть базовый курс "Рисования с нуля до портрета". Подходит он практически всем, можно сказать универсальный, готовит к поступлению в ВУЗы, колледжи, даёт основу базисную для собственного развития, и для тех, кто уже где-то когда-то обучался, он структурирует знания. Курс очень сжатый, максимально сжатый, воды там вообще нет, каждое задание само по себе уникально и в комплексе они создают вот такую чёткую линейную структуру развития от блока к блоку.

Программа вообще спиральная, то есть на каких-то витках она повторяется, но выйти за пределы витка не получится, то есть выбросить какое-то упражнение почти невозможно. Именно при прохождении вот так последовательно появляется глубина, появляется цельность знаний, навыков, умений, ну и художники уже могут сами что-то создавать без меня на выходе, вот это, наверное, самое важное.

И есть у нас, как я уже говорила, курсы композиции, цветоведения и колористики, это два курса отдельных. Колористика более глубинная, подходит уже для дизайнеров, у нас вот разработчик игровых приложений этот курс проходил с удовольствием. Мастера ДПИ хорошо его берут, визажисты хорошо его берут.

И композиция конечно важна тоже для тех, кто хочет понять основу или освежить свои знания. Ну и есть у нас курс акварельной или масляной живописи, где мы говорим, как раз о технологии конкретно акварели или масла. Так что выбор за вами! Я буду рада, если вы к нам придёте обучаться в Екатеринбург в школу, либо приобретёте наш курс в записи.

Теперь у меня к вам друзья вопрос по завершению всей этой темы, как вы думаете какие ещё отрасли знаний или теоретические какие-то дисциплины для художника важны? Вот вы сейчас хорошо подумайте, вопрос достаточно сложный, но ответ лежит на поверхности. Если посмотреть на процесс рисования со стороны, вы легко это поймёте. Все задумались…

Ну вот, давайте для примера, история нужна художнику? Изучение истории, любой. Мировой истории, русской истории. Очевидно, да? Правда? Конечно, нужно, потому что мы все в контексте истории находимся. Литература, нужна? Тоже, думаю, не маловажно, да? Потому что есть книжные иллюстрации, например. Есть целые пласты в изобразительном искусстве, где персонажи литературные изображены. Философия, про которую мы уже говорили, да?

Этика непременно. Что этично по отношению к зрителю, а что нет. Например, этим баловался, скажем, Хаим Сутин, когда изображал расчленённые туши. Интересно, правда? Если вот так вот из глубины смотреть. Конечно, важны и точные науки, например, физика или химия цвета.

Значит, масоны вышли на сцену и, прежде чем вышли персонажи, одетые в классические масонские костюмы с фартуком, с капюшоном в этом чёрном с золотом орнаментальном вышитым, появился знак масонский, сейчас закончим да-да-да, треугольник, и всё сразу стало понятно. Представляете насколько важно вот это понимание знака? И для изобразительного искусства это тоже важно.

Историю искусств начинать можно читать с разных книг и смотреть видео

цветоведение и колористика

следующий раздел теории искусства – это композиция

технология живописных и графических материалов

эстетика – насколько эстетично или не эстетично явление

перспектива – как раздел начертательной геометрии

философия ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО искусства