Художественная Школа Jotto помогает взрослым и подросткам (от 10 лет) научиться профессионально рисовать. г. Екатеринбург, ТЦ Дирижабль 3этаж-оф-5 +7(922)115-75-74

Новые книги по академическому рисунку.

  Для тех, кто давно читает наш блог или когда-либо обучались в нашей художественной школе не секрет, как я отношусь к современным учебникам по рисованию. Как человек, освоивший в юные годы академическую программу обучения рисунку, живописи, композиции и прочим дисциплинам, меня очень смешат книги типа “Научитесь рисовать за 30 дней”, “Рисуем как великие художники” или “Научиться рисовать портрет поэтапно”.

Конечно, в качестве развлекательного хобби они подойдут, но не более того. Отдел литературы для художников просто переполнен подобного рода изданиями, а в целом книжные полки производят впечатление качественной маркетинговой акции - “сделай обложку поярче, напиши громкое название и книгу купят, не важно, что внутри”. Именно поэтому я рекомендую своим студентам искать в букинистических магазинах или в интернете учебники рисунка советского периода, в которых и описание последовательных этапов ведения рисунка простое и понятное, и примеры работ учеников ясные и качественные (не в плане полиграфии, а в смысле соответствия критериям академической грамоты). Примеры таких книг я уже приводила в статье: https://jotto8.ru/blog/spetsialnye-knigi-dlja-hudozhnikov-uchebniki-risovanija-posobija-samouchiteli-chast-1 .
  Сегодня советским учебникам по рисунку появилась достойная альтернатива или дополнение (кому как больше нравится). Эти три книги - учебники академического рисунка - могут являться очень приличным дополнением к занятиям рисованием с учителем и самостоятельным попыткам научиться рисовать. Итак, давайте разбираться поподробнее.

В.С. Шаров. Академическое обучение изобразительному искусству.
   Этот учебник рисования не совсем новый, если я не ошибаюсь, первое его издание было в 2013 году, но он качественно выделяется на фоне многих сотен книг по рисованию. Книга объёмная, но написана она простым, адаптированным для начинающих художников языком, поэтому разобраться в сложной теории будет легко. Автор - практикующий педагог, преподаёт академические художественные дисциплины в Астраханском художественном училище (ещё один плюс в пользу книги - это не научный труд, а синтез теоретико-практической деятельности учителя-художника, то есть в ней отражено всё самое важное и нужное для обучения рисованию). По сути, книга - это методическое пособие по преподаванию рисунка, живописи и композиции.
  Мне понравилась сама структура и качественная подача материала в книге - сначала теория, подкреплённая иллюстрациями картин классических художников и опорными схемами (кстати, они здесь более точные и понятные, чем в учебнике Ли), затем практические упражнения по рисованию (4 года обучения в художественном училище, расписанные по семестрам, в том числе и беседы о технологии масляной живописи, технике акварели, беседы о рисовании обнажённой модели и головы человека и т.д.). Достаточно много внимания уделено пленэру, что в современных книгах по обучению изобразительному искусству крайне редко. Практические задания сопровождают фотографии рисунков и этюдов студентов.
  Отдельное спасибо автору за освещение задач академической системы обучения изобразительному искусству и за выявление её характерных черт и отличие от других школ и подходов в обучении рисованию. Хорошо объяснены в книги требования к студентам, собирающимся освоить азы академической изобразительной грамоты и задачи обучающегося профессии художника.  Отдельная глава уделена константности восприятия (умению художника видеть предметы такими, какими они являются на данный момент, а не такими, как он их понимает, опираясь на свой жизненный опыт) - большой проблеме художников-самоучек и начинающих художников. Как художник-педагог могу сказать, что без этого понимания всё остальное обучение рисунку и живописи (а тем более композиции) бессмысленно.
   В этом пособии по рисованию удачно разделены и объяснены знания, необходимые художнику, умения и навыки, которые следует развивать и улучшать. В книге много цитат знаменитых художников и крупнейших педагогов изобразительного искусства разных эпох, которые поясняют и подтверждают авторский текст. Особенно меня тронуло что автор книги предусмотрел и самостоятельную творческую работу художника после окончания обучения, описал, как построить самообучение, чтобы продолжать развиваться творчески и найти свой путь в искусстве.
  Словом, недаром эта книга рекомендована Министерством культуры РФ, а рецензии  к ней написаны профессором МГАХИ имени В. И. Сурикова, председателем художественного экспертного совета фонда «Новые имена», членом комиссии по живописи Союза художников России С. А. Сиренко и Доцентом кафедры рисунка и живописи факультета архитектуры и дизайна АГУ, Заслуженным работником культуры РФ Л. Н. Никоноровым.

Пара цитат из книги:

“То обстоятельство, что художественные материалы не могут сравняться по силе с красками природы, диктует принцип процесса изображения. Он состоит в том, чтобы определять в натуре и передавать в изображении отношения между предметами. Нет смысла сравнивать цвет в натуре с цветом в этюде или тон в натуре с тоном в рисунке. Нужно сравнивать цвета или тона натуры между собой для создания аналогичных отношений на изобразительной плоскости. Краски этюда или тона рисунка могут быть правильно взяты только относительно друг друга. Используя возможности конкретного материала, нужно научиться пропорционально верно передавать в изображении цветовые и тональные отношения, отношения величин, существующие в натуре. Итак, отношения между предметами в натуре выявляются путем их сравнения для создания аналогичных отношений на изобразительной плоскости. Сравнительный анализ должен вестись все время, от начальной до завершающей стадии выполнения работы. Практические действия должны выполняться в соответствии с произведенным анализом”.

“Для выделения главного и придания изображению художественных качеств художнику часто приходится определенным образом корректировать увиденное. В своих работах, понимая степень важности того или иного элемента изображения, художники делают соответствующие изменения относительно натуры: подчеркивают главное, соподчиняя ему второстепенное, обобщают увиденное, делая отбор деталей, порой что-то убирают или передвигают, сознательно расставляют нужные акценты с учетом плановости, смысловой нагрузки каждого элемента, общей гармонии изображения. Итак, говоря о выделении главного, мы будем иметь в виду не только выявление (передачу) главного, увиденного в натуре, но и активную работу по выделению главного. Определение и выделение главного подразумевает обязательное понимание, что в натуре является важным, существенным, а что можно отбросить без ущерба для ее восприятия. Нет смысла копировать натуру, передавая все ее детали. Часть деталей, ничего не добавляя для восприятия предмета, может значительно снизить выразительность изображения, внести в него дробность. В изображении должно быть отражено самое характерное, типичное, суть явления — то, что формирует наше восприятие предмета. Наше восприятие предмета формируется в первую очередь его пропорциями и конструкцией. Часто приходится наблюдать, как учащийся уделяет большое внимание работе над деталями, пытаясь таким способом достичь убедительности и сходства. Однако никакое сходство и убедительность в деталях не передадут верного восприятия предмета, если не переданы его общие пропорции и конструкция его формы в целом. Например, лаконичный набросок без деталей может дать ясную характеристику фигуры человека, а длительный рисунок, превращенный в набор деталей, — нет. Нужно понимать, что не количеством деталей определяются качество и законченность работы, а верностью общего”.

Залегина Е. Академический рисунок. Мифы и реальность.
  Эта книга - отличный учебник и справочник для начинающих художников. Но, предупрежу сразу, это не самоучитель рисования! Также в ней нет последовательных фотоуроков - рисование шаг за шагом. Книга отвечает на основные вопросы художников самоучек и начинающих художников. Я, как педагог, встречаюсь с ними каждый день и очень благодарна автору за чёткое конструктивное объяснение и ответы на вопросы - зачем рисовать натюрморты и геометрические тела, почему нельзя научиться рисовать сразу человека, что такое конструктивное мышление и зачем оно художнику и прочие. Надеюсь, что теперь мне придётся меньше времени тратить на раскрытие этих тем в беседе с учениками, а больше на реальную практическую помощь в освоении изобразительной грамоты.
  Отлично показаны и объяснены в книге принципы формообразования в рисунке (построение предметов при помощи линий и сопряжения форм), а также проанализированы и показаны разнообразные пособия по академическому рисунку. В них наглядно показаны особенности методики преподавания рисунка в художественных школах разных временных периодов, описаны характеристики выбора и анализа источников информации для художников (почему по одним пособиям можно научиться рисовать, а по другим достигнуть предполагаемого результата практически невозможно).
  Язык изложения в книге максимально адаптирован для широкого круга читателей, во время чтения остаётся впечатление полноценной беседы с автором лично, что выгодно отличает книгу от традиционных учебников и пособий по рисованию. Вместо свода правил - тактичное грамотное разъяснение, вместо поэтапной раскадровки а-ля “повторяй за мной и станешь художником” - рекомендации по улучшению собственного мастерства рисовальщика, преломленные через понимание основ творческой художественной деятельности. Начиная от вопросов: зачем я рисую, почему я хочу научиться рисовать и что для этого нужно, автор мягко подводит к коррекции собственных творческих амбиций, формируя цельность понимания художественного творчества.
  Думаю, что прочтя эту книгу, многие художники-самоучки захотят совершенствовать свои знания, умения и навыки академического рисунка, выполняя штудии, зарисовки и наброски, а не рисовать сразу большую картину маслом в надежде получить от педагога “волшебную таблетку” для создания красоты. И это замечательно.
  И, да, большинство иллюстраций в книге - рисунки Елизаветы Залегиной и её учеников, поэтому в мастерстве и компетенции автора не сможет усомниться даже самый требовательный читатель.

Цитаты:

“Геометрические тела, целые объёмные части, и, конечно, их пропорции и сопряжения - вот что важно в конструктивном рисовании и в анализе сложных форм!”

“Как часто вы слышите фразу “От частного к общему и от общего к частному” там, где учат рисовать? Слышать-то слышали, и даже, наверное, часто её повторяли сами, но уверены ли, что понимаете, что она значит? Не спешите с ответом, подумайте. А пока узнаем, что по этому поводу пишет А.Дейнека: “Последовательное выполнение рисунка от общего к частному и от частного снова к общему строго обязательно”.
  В этой непримиримой формулировке чувствуется мощь автора, его неусыпное око и беспокойство. О чём? О том ли, что рисунок будет слишком пустым и лишённым информативности? Нет! Автор понимает важность и деталей, и целого. Он просто предлагает алгоритм действий. А вы что подумали?”

“Если рассмотреть все предметы, окружающие нас, можно быстро заметить, что всё это - конструкции, более или менее сложные, природные или сделанные руками человека. Значит, их устройство не хаотично, а подчиняется определённой логике, следовательно, оно может быть познано, изучено и нарисовано. В конструкции все части находятся на определённых пространственных планах. Если форма многочастная, эти части сопрягаются друг с другом и находятся во взаимозависимости.
  Даже хаотичные природные явления, такие как воздух (облака, дым, пар), вода (волны, потоки) и огонь, могут представлять собой нечто вполне конструктивное.
  Конструкции делятся на более и менее сложные - многочастные и монолиты соответственно.Самой совершенной и сложной, а потому интересной конструкцией считается фигура человека. Настоящее умение рисовать должно привести к свободному навыку изображать именно человеческую фигуру и портрет - с натуры и с психологическим сходством.
  Конечно, не все художники такую задачу перед собой ставят, но так ли она сложна? То есть да, задача не из лёгких, но если идти к ней не окольными путями, можно своевременно получить довольно внушительный результат. Чтобы в итоге решить сложную задачу, надо научиться простым алгоритмам действия через простые шаги. Чтобы сформировалось пространственное конструктивное мышление, надо не допускать рисования плоских фигур там, где есть объём. То есть надо не допустить подходов, которые могут помешать развитию пространственного конструктивного мышления”.

А.Г. Плахотников “Академические основы архитектурного рисунка”
  Сразу скажу, что эта книга новейшая и найти её в книжных магазинах будет сложновато (мне книга пришла непосредственно от автора и команды его единомышленников почтой). Это пособие  специфическое - в книге отражены особенности именно архитектурного рисунка (будущие архитекторы, обратите внимание, аналогов на книжном рынке нет!). Но будущим дизайнерам, иллюстраторам, художникам-педагогам она будет не менее интересна и полезна.
  Издание - масштабный труд кандидата педагогических наук, профессора изобразительного искусства Плахотникова Александра Григорьевича. Замечательный художник и педагог запланировал серию учебников для студентов архитектурных и художественных вузов и учреждений дополнительного образования. Пока издан только 1 том. Но это полноценный и подробный учебник академического рисунка, щедро проиллюстрированный графическими произведениями архитекторов и художников, рисунками студентов и пояснительными схемами.
  Лично мне импонирует академическая правильность и точность подачи материала и тщательно продуманная структура книги: история появления и развития архитектурного рисунка, основные принципы восприятия и построения геометрических форм, принцип конструктивно-геометрального способа рисования, рисование натюрмортов с натуры и по памяти, самостоятельная работа по созданию архитектурного рисунка, специфика летней практики (пленэр для архитекторов). В конце книги имеется терминологический словарь, что сложно недооценить.
   Как в старом добром советском учебнике рисунка, здесь нашлось место и описанию специфики заточки карандашей при рисовании, и способам проведения прямых и наклонных линий, и принципу удержания карандаша в руке при рисовании, и расположению художника относительно модели и мольберта (заметьте, всё в картинках и чуть ли не с математически точными расчётами - точно и понятно). Уделено внимание и линейному построению простейших плоских форм, и тональной штриховке разного рода.
  Принципы построения геометрических объёмных форм и предметов в перспективе, помимо текстового описания, показаны в серии последовательных рисунков. Способ сквозного построения форм в рисунке описан и проиллюстрирован с ювелирной тщательностью и точностью и подан сухим, но ясным академическим языком (в отличие от многих книг по академическому рисунку и самоучителей рисования, заполонивших полки книжных магазинов).
   Целый большой раздел книги повествует об особенностях архитектурной композиции - это вообще редкая жемчужина учебной литературы для художников.
   Разъяснение таких важных для архитектора и художника понятий, как пропорции, перспектива, форма, объём, конструкция - даёт прочный теоретический фундамент для приобретения и развития основ изобразительной грамоты.
  Список литературы, использованной при создании книги ещё раз убеждает в грамотном, научном подходе к созданию книги и очевидной её пользе для студентов художественных вузов и колледжей, а также для учителей рисунка и композиции.

Цитаты:

“Идея сферической геометрии оперного театра в Сиднее так же проста, как ломтик апельсина. Казалось бы, что всё совершенное и великое выглядит удивительно просто. Но стремление практически воплотить архитектурную идею парящего свода привело к чрезвычайным трудностям и противоречиям.
  Прогрессивные идеи в архитектуре ХХ века являются сложнейшей задачей для современников Константина Мельникова и Андрея Бурова. Искусство архитектуры мастеров ХХ века опиралось на художественный метод, и только такой подход может быть всеобъемлющим в решении многообразных и противоречивых задач, выдвигаемых перед каждым конкретным проектом и архитектурой в целом”.

“Сам принцип “прозрачности” - сквозного способа изображения каркасных моделей геометрических тел - позволяет видеть сразу все основные узлы конструкции и соединений тел. Это в значительной мере облегчает построение архитектурного рисунка. Рисующий ясно понимает, как располагаются в пространстве “видимые” и “невидимые” углы, рёбра и объёмные грани изображаемого тела при различных поворотах. Сквозной способ изображения, показанный на рис. 59 а, состоит из композиционного решения трёх кубов, расположенных по вертикали друг над другом, и на рис. 59 б каждый последующий куб сдвинут по отношению к вертикальной оси построения влево или вправо и назад”.

“В первых зарисовках следует отображать фрагменты сложных архитектурных сооружений для поэтапного усвоения методических приёмов и способов их выполнения. Здесь целесообразно уделять внимание роли и сущности назначения архитектурного объекта. Чтобы в последующих работах в части зарисовок архитектурных объектов у рисующих студентов была возможность продолжить графический поиск, освоить основные закономерности архитектурного рисунка, также зарисовки фрагментов и частей фасада здания должны отражать связи архитектуры с окружающей средой и пространством”.


  • Сайт
  • Магазин