Художественная Школа Jotto помогает взрослым и подросткам (от 10 лет) научиться профессионально рисовать по авторской системе Екатерины Крюковой. г. Екатеринбург, ТЦ Дирижабль 3этаж-оф-5 +7(922)115-75-74

Основные стереотипы начинающих художников, которые мешают развиваться. Часть I.

  Я много общаюсь с разными людьми, приходящими в класс за советом по рисованию, на занятия живописью и просто в гости, пообщаться и благодаря этим встречам, я для себя составила целый рейтинг заблуждений начинающих художников и художников-самоучек. Увы, их немало.

И, чтобы не объяснять каждому в очередной раз особенности обучения изобразительной грамоте и ценность качеств художника, раскрою и поясню их в этой статье. Ведь наверняка многие из вас думают так же, а подобные стереотипы не только тормозят ваше творческое развитие, но и, очень часто, вообще делают невозможным весь процесс обучения рисованию, нивелируют уже существующие, сформированные основы изобразительной грамоты, уводят в дебри творчества и самовыражения, из которых ещё зелёный, начинающий, неокрепший художник не может выбраться самостоятельно.

  А отсюда и разочарование в себе и своих способностях, расстройство от краха неоправданно высоких ожиданий, результатов и чересчур амбициозных целей. Я попробую развенчать некоторые, уже устойчиво сложившиеся в головах дилетантов, мифы и вывести ваше творческое мышление на профессиональный уровень честно, обосновано, теоретически грамотно.

В чём заблуждаются начинающие художники?
Круто только то, что нарисовано маслом.

  А почему тогда существуют залы графики и скульптуры в музеях ИЗО? А ювелирное искусство, гобелены, эмали, батик, художественная керамика, лаковая миниатюра? Серьёзно? Вы оцениваете художественное произведение по цене материала? Ведь можно написать маслом совершенно чудовищную, антихудожественную вещь (например, просто перерисовав фотографию из интернета, да ещё и изрядно обработанную в графическом редакторе), предположим, кошечку или цветочки, которую даже ни на одну серьёзную выставку не возьмут. А можно пойти в музей и насладиться гравюрой Дюрера, совершенной технически, с тщательно продуманной и применённой композицией, с авторской символической идеей и подчинённой ей стилизацией, с грамотно использованными знаниями анатомии, перспективы, формообразования, степени освещённости объектов. И я уже не говорю о совершенстве технологическом: сложнейшая техника гравюры на металле, качественная печать, ювелирное владение деталью и точный подбор качества бумажного листа.

  Ценность художественного произведения, в первую очередь, в мастерстве автора, в школе (я имею в виду образование), в личностной философии, точке зрения, заложенной в картине или рисунке, в соответствии изобразительных приёмов, техники этой идее (связь формы и содержания). И масло тут совсем ни при чём. Шедевр можно создать и акварелью (вспомните этюд розы или серии-иллюстрации к поэме Лермонтова “Демон” Врубеля), и углём (портрет Шаляпина авторства Серова) и даже ламповой копотью (замечательные рисунки Лебедева).
   Я сознательно привожу в пример шедевры реалистического искусства, которые начинающему художнику проще понять и осмыслить.

Абстракция - это фигня!

  “Намазать что-то непонятное может даже ребёнок”, говорят некоторые новоприбывшие ученики и очень даже зря. И дело не в том, что художнику лень или он что-то не умеет. Абстракция - вполне самостоятельный, очень современный, чувственный вид изобразительного искусства, и очень интеллектуальный. “А что хорошего в абстракции, это же что-то непонятное?” Вот в том-то и дело, что абстрактное искусство заставляет думать, сопереживать, внимательно рассматривать, анализировать изображённое, ведь краска, наносимая художником на холст, в таких картинах не случайна, она несёт эмоцию, скрытый смысл, некий посыл зрителю, но не напрямую, приглашает его к соавторству.

  К искусству абстракции художники приходят не сразу, а освоив азы изобразительной грамоты, совершенствуя своё мастерство. Постепенно они переходят на язык символа, аллегории, намёка, играют со зрителем. Согласитесь, было бы скучно читать детектив, заранее зная, чем он закончится. Вот и абстрактная картина - своеобразная детективная завязка. Но в отличие от вполне конкретно написанной книги, абстрактная живопись - текст, который вы, как зритель, пишете вместе с художником, допридумываете, угадываете.

  Мне рассказывали историю, как один из смотрителей в выставочном зале, во время работы выставки Г. С. Райшева, мощного, очень национального, на грани с абстракцией художника-символиста, рассказывал: “Обычно, когда посетителей нет, я сижу и сплю, а здесь не уснёшь - я всё время хожу, смотрю на картины, думаю…” Вот почему я назвала абстракцию интеллектуальным искусством.
  Кроме того, в абстракции, как ни в одном другом жанре, проявляется профессиональное владение композицией.

  Композиция - основа, костяк, схема построения изображения в соответствии с законами зрительского восприятия - целая наука. Именно она, а вовсе не симпатичный сюжет, является показателем мастерства художника. В абстракции всё как на ладони. Без композиции любая абстрактная картина превращается в случайный набор пятен и деталей, как музыкальное произведение без чёткой композиционной структуры - в набор звуков. А обучение композиции начинается именно с абстракции, к ней же сводится и анализ произведений классических художников. Не верите? Попробуйте заключить в простые геометрические формы любых персонажей или объекты, изображённые на картине, снять с неё изобразительность. Вот то-то!

Настоящий художник рисует только из головы.

  Друзья, чтобы рисовать из головы, в ней, как минимум, что-то должно быть и это что-то нужно уметь пропускать через руки. Необходима связка: рука-голова.  Чтобы этого добиться, нужны долгие годы штудирования натуры, тысячи нарисованных скетчей, этюдов, учебных работ, разных по времени и задачам.

  Известна легенда о том, что Брюллов мог нарисовать по памяти гипсовый слепок головы статуи Агесандра “Лаокоон”, не отрывая карандаша от бумаги. Но это возникло не вдруг - Карл Брюллов рисовал это искажённое страданием лицо не один десяток раз с натуры: с гипсовых слепков в Академии художеств, с живой статуи, копировал рисунки этой головы мастеров предыдущих поколений. Он рисовал Лаокоона во весь рост, фрагментарно, всю скульптуру целиком (а она представлена в виде трёх, объединённых общим массивом, фигур), в разном ракурсе (анфас, снизу, сбоку) и при разном освещении (сверху, прямо, в скользящем свете). Словом, опыт колоссальный! А, кроме того, великий Карл активно занимался живописью и рисованием с живой модели, одетой и обнажённой, написал множество учебных портретов, перерисовал все возможные слепки античных скульптур, чтобы точнее улавливать и передавать характер модели и пропорции лиц и фигур. В его голове выстроилась огромная картотека типажей, рука нарисовала сотни разнообразных носов, глаз, ушей с разной по качеству степенью прорисовки. Вот поэтому через именно эти руки и из именно этой головы выходили совершенные образы по памяти, без подглядки в натуре.

  И, тем не менее, мастер работал только с живой моделью, заставляя портретируемых позировать часами, чтобы уловить самое их естество. И так поступали все великие художники: исследовали натуру, искали в ней вдохновение, индивидуальные особенности. Ведь главное не то, как художник работает, а что будет в результате.

  Можно потратить годы, изучая, прорисовывая что-то конкретное, но не будете же вы всю свою творческую жизнь класть на то, чтобы рисовать одних Лаокоонов? Посмотрите на подготовительные рисунки и этюды Иванова к его монументальному “Явлению Мессии”, а ведь все они сделаны с натуры, вживую, с вполне конкретной модели! Уже в самой картине мастер писал лица и тела без натурщиков, слегка обобщая ненужные индивидуальные особенности, но ничего не “переврал”, опираясь на память, не сделал условным и сложным для понимания, не “изобретал велосипед”.
  Поэтому, не усложняйте и без того сложную задачу - учитесь у природы, совершенствуйте мастерство и используйте всё это в своих произведениях-картинах.

Рисовать на компьютере проще.

  Это моё любимое. Многие, рассуждающие так начинающие художники, либо совсем не работали с растровой графикой (я сознательно не упоминаю векторную графику, так как она подразумевает некую стилизацию, чего можно избежать в растре). Машина сама рисовать за вас не будет: выполнять задачу придётся вам самим, а для этого нужны базовые знания, умения и навыки реалистического рисования карандашом и краской на бумаге. Уже позже, когда хотя бы основы основ: перспектива, сквозное построение объектов, моделировка формы, теория цвета и так далее, будут усвоены и закреплены, можно переходить к рисованию на компьютере.

  Только тогда он будет настоящим подспорьем, а не сопротивлением материала. К программе, самому механизму, нужно ещё “приложить голову”, без неё компьютер ничего не нарисует, какой бы крутой графический планшет вы ни приобрели. Начинайте с базового уровня, идите от простого к сложному, от азов рисования на бумаге, тогда вы сможете создавать красивые современные арты и великолепные иллюстрации, и на компьютере в том числе.

Можно научиться рисовать самостоятельно.

  Об этом я подробно написала в статье …"Как научиться рисовать самостоятельно?" А если кратко - профессиональное, качественное рисование - это серьёзная работа. Профессия художника - это тоже профессия, которой обучают годами специальные люди в учебных заведениях, поэтому, если рамки хобби из разряда “нарисовать картину за 3 часа” вас не устраивают, не мучайтесь - идите к педагогу ИЗО в художественную школу, как минимум.

     >>>Чтобы прочитать вторую часть этой статьи "Основные стереотипы начинающих художников, которые мешают развиваться. Часть II." перейдите по ссылке.<<<


  • Сайт
  • Магазин