Скетчинг и ботаническая иллюстрация.

  Всем привет, с вами Артур Крюков. Сегодня я постараюсь вдохновить вас.

  В этой статье я расскажу какие возможности вы можете использовать при рисовании тушью и пером + чернила + брашпен при рисовании в скетчбуке.

  Очень важно при рисовании ботанической иллюстрации и вообще скетчей - это кадрирование. Что войдёт в кадр? Продумывание самой структуры листа – скетча.

Располагать лучше не посередине цветочек – это слишком просто. И наскучивает глазу зрителя. В простонародье и среди фотохудожников - это называют золотым сечением.

  Динамика.  Очень интересно выглядит скетч, когда растение в кадре живёт, а не просто находятся. И вы передаёте свою мысль как художник, а не ремесленник.

  Расположение растения в кадре каждый раз не похоже на предыдущее. Я часто делаю небольшую фотосессию растению, и потом выбираю понравившийся кадр. Но, очень часто, уже до начала отбора фотографий я знаю, какую из фотографий выберу. Ведь во время фотографирования я уже думаю о композиции в кадре и уже в мыслях представляю как будет всё нарисовано акварельными чернилами, тушью и пером.

  Ритм. Чтобы рисунок интересно было рассматривать и погружаться в него, из элементов растения я делаю как бы ритмические повторения или взаимосвязи. Словно бы как музыкант играет на пианино, так и я рисую веточку за веточкой, листочек за листочком. И ведь понимаете хоть листочки и похожи, но они разные – живые, каждый по своему уникален.

Направление основных структурных линий. 

  Чтобы нарисовать интересный арт, можно пользоваться давно разработанными композициями: L-образные, S-образные и другие. Мне нравится на основе классики создавать что-то новое – своё. 

Разнообразие размеров и форм.

  Есть художники, которым нравится архитектура и много прямых линий и схождение линий перспективы, есть такие, как Екатерина которым нравится красота человеческого тела, а мне нравится природа в своих проявлениях растения, животные.

  В растениях я больше всего люблю живые линии. Как бы сама природа создаёт нечто уникальное, неповторимое. И мы, художники, учимся у неё. Ведь жизнь на листе сама не появится, мы создаём её постепенно.

  Я часто пользуюсь таким рецептом, может он вам пригодится: я стараюсь чтобы не было повторений – один в один два цветка по форме рисовать не желательно. Даже листья на одной ветке разного размера, они повёрнуты в разные стороны ну и вы сами это начнёте замечать, если словно бы постараетесь немного учиться у природы, постигнуть тайну мироздания в простых маленьких вещах, деталях. Словно вы молодой Леонардо да Винчи, учащийся не только у старших художников, но и у природы.

  Часто, чтобы ускорить рисование скетча я пользуюсь одним цветом для заливки фона, так эффектнее, я считаю. А сам рисунок делаю линейно. Иногда, если позволяет время, то прорабатываю детали более подробно. Рекомендую вам продумать, что будет самым важным, что второстепенным, а что можно вообще упустить. Ведь в современном быстро текущем времени нужно иногда оптимизироваться и в зарисовках оставлять важное, не доходить до гиперреализма.  

Ведь если лист полностью забит деталями, то глазу человека негде отдохнуть. Эта же наука перетекла в искусство фотографии и подготовку визуала для социальных сетей. Как говорят те кто этому обучает – дожен быть воздух в работе, атмосфера. Я с этим согласен.

 Лично я в быстрых скетчах сильно обобщаю среду, чтобы ускориться и больше сосредоточиться на главном объекте, будь это ветки деревьев или букет цветов. Сам объект несложно нарисовать, а как решить среду чтобы не перерисовывать один в один как с натуры. Ведь быстрый художник скетчер должен абстрагироваться от менее важного и значимого, к более важному, не теряя времени.

Текстуры. Фон также можно дополнительно немного заполнить лёгкими текстурами или графическими элементами, просто чтобы обозначить материальность воздуха. Мол – да, воздух то тут тоже есть, и наш интересный объект не в вакууме и не стерилен.

Абстрактные формы. Чтобы было проще и интереснее, можно сперва накидывать общие массы простым карандашом, а далее, постепенно, создавая образ в своей голове – переносить его на бумагу. Иногда рисую от силуэта объекта (растения например) часто приходится отталкиваться от абстрактных форм, иногда амёбообразных. И потом доводишь их до большей детализации.

  А иногда держишь все эти абстрактные формы и массы в голове, и чтобы рисунок был аккуратным, рисуешь внимательно подбирая линию к линии.

  Сколько процентов пустоты и сколько процентов заполненности.

  Часто, задумывая композицию скетча, думаешь о том, сколько свободного места в фоне оставить, а сколько места выделить под сам объект рисования. Это немаловажный вопрос, потому как именно это даст нужный психологический эффект на зрителя. Кстати об этом думаешь когда планируешь, как это будет выглядеть: общий план, средний или макро.

  Подумать о выразительности основного силуэта.

  При рисовании, чтобы не повторяться из работы в работу, неплохо думать о силуэте нашего объекта. Производит ли он впечатление или просто так лежит, никому не нужный. Каждый раз я ищу новые силуэты, чтобы впечатлить зрителя.

  Стилизация.

  Упрощение до основных структур очень сильно помогает ускорить работу на первом этапе. И даже чтобы ещё ускорить я беру не просто тушь и перо, а брашпен. Он даёт большую вариацию по толщине линии от супертонкой до средней и до очень жирной линии.

  И понимая, что у меня жирной линией быстро всё заполнится, думаешь о стилизации. Ведь, как вы, наверное, уже заметили, я рисую не реалистично. А в основном стилизовано, декоративно, как бы по-дизайнерски. Этот метод часто противопоставляют живописному подходу.

  Степень проработки основного объекта и группы.

  Часто само количество свободного времени для рисования подсказывает, какого размера скетчбук взять. И о степени проработки тоже думаешь наперёд, как бы просчитывая все возможные варианты реализации рисунка-скетча.

  Задумываешь, будешь ли уделывать его детализацией или стилизуешь ещё сильнее, практически до знака-символа. Бывает и такое, что рисуешь так, чтобы было два варианта исхода: более стилизованный и более детализированный. И в итоге побеждает тот вариант, на который хватает времени. Мало времени и начинают все отвлекать – уходишь в большую стилизацию. 

А если времени на рисование появляется всё больше и больше, и ты видишь, что успеешь и общее, и детали, и ещё и чай навести пару раз сходить, то можно и музыку приятную включить и покайфовать побольше от процесса незабывая крутой результат сделать.

  Использовать выразительные средства самого материала и инструмента.

  Мне нравится именно тушь и перо за их категоричность. Было время, я рисовал в Adobe Photoshop, и у меня была одна проблема - я часто делал Ctrl+Z, то есть шаг назад. В итоге стараясь до совершенства довести арт, коллаж или обрабатываемое мной фото.

  Сейчас этой проблемы не стоит. И производительность поднялась во много раз. Только успевай скетчбуки покупать ;-) .

  Так вот ещё мне нравится тушь и перо, за их творческие возможности. Толщину линии, графические решения, точки, чёрточки, а иногда и пятна.

Какие я люблю: толщину линии, заливки, штриховка сеточкой, продольная штриховка – линии.

  Рисую я часто пером со звёздочкой №11, она даёт очень тонкую и живую линию. С чернил Гамма, я перешёл на Winsor&Newton, чему очень доволен.

  Если я рисую где-то в дороге, то чаще использую перьевую ручку у неё хоть и разбег толщины линии меньше (перо EF) и с размытием, например, ватербрашем. Но это в основном касается драконов, может сделаю как-нибудь отдельную статью про это.

 Принцип текучести, линейности. Ей нет смысла академично штриховать. 

Да, это так. Принцип текучести присутствует также как в акварели. Но контрасты гораздо более жёсткие в чернилах и туши.

Пожалуй, на этом мы и закончим. Увидимся в следующих статьях.

Если вам понравилась статья, сделайте следующее:

1. Поставьте «лайк».

2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.

3. Покупайте у нас курс "Рисование с нуля до портрета на заказ" в Екатеринбурге.