С того момента, когда фотография стала полноценным видом искусства и самостоятельным видом фиксированного визуального изображения, и в некоторой степени взяла на себя функции живописи и графики, между этими видами искусства выстроились весьма непростые отношения.
До сих пор ведутся споры, как их примирить и нужно ли; как одно влияет на другое; можно ли использовать фото при занятиях живописью и насколько актуальна живопись при сопоставлении её с художественным фото. Кроме того, многие художники сочетают занятия рисованием и живописью, комбинируют в разной пропорции эти виды изобразительной деятельности и создают уникальные произведения на границе этих сфер. Насколько это тактично, как поступать современному художнику и что общего и различного в рисовании и фотографии? Давайте разбираться.
Живопись - старшая сестра фотографии, не так проста, как кажется. Помимо непосредственной констатации момента - события, персонажа, набора предметов и прочего - она передаёт отношение художника к изображаемому, показывает именно то, что хочет показать сам автор, усиливает, приукрашивает, подчёркивает самое важное, соответствующее идее картины. И, если фотография, даже художественная, просто механически воспроизводит реальность такой, какая она есть, то живопись отображает идею.
Она создаётся как идея, которая вовлекается в соответствующую этой идее форму. Визуальные образы при этом, являются подспорьем, интерпретируются художником по собственному желанию и в определённых целях. Другими словами, если фото транслирует сюжет (пусть даже во вполне художественной форме), механически воспроизведённый, то живопись представляет собой идею, демонстрируемую при помощи выразительных художественных средств. И сюжет здесь тоже всего лишь средство. Например, сравните автопортрет Фриды Калло, её фотографию для Voque и фото Сальмы Хайек в образе Фриды авторства Энни Лейбовиц.
Где более ярко выражен характер? Где чувствуется внутренняя драма и боль? Где за внешними чертами скрыта идея страдающей и чувственной души художника?
В XIX веке фотография служила помощницей для живописи: чтобы зафиксировать нужный момент, детали или просто, чтобы модель не уставала, художники начали рисовать по фото. Изначально это были дагеротипы, позже замененные более дешёвыми и удобными чёрно-белыми фотографиями длительной выдержки. Художники, применяющие такой подход в своих работах, широко известны: например, Иван Шишкин заказывал снимки пейзажей специально нанятому фотографу (очень интересно их сравнивать с готовыми картинами, в которых ярко выражена композиционная цельность, распределение тонов и отбор деталей, в отличие от прототипа). Илья Репин использовал фотографии для разработки позы портретируемых и закладки основных масс тона на холсте. Иван Крамской почти фотографически точно перенёс на холст с фото изображение ростового портрета В.Н.Третьяковой, изменив лишь фон (на картине - пейзажный мотив, на фотоснимке - интерьер).
Такой подход облегчал художникам работу с натуры, но не уводил в перерисовывание - фотографии были чёрно-белыми и колористический строй картины задавал необходимую творческую составляющую. Кстати, в это время было востребовано расцвечивание чёрно-белых фото насыщенными цветами - это был неплохой заработок и опыт для начинающих художников. Молодой Врубель зарабатывал этим свои первые деньги.
Но живописцам быстро наскучило механическое перенесение реалистического изображения с фотографии на холст. Художники рубежа XIX-XX веков, в предчувствии грядущих перемен, старались изобразить быстро меняющийся мир новыми способами, выхватить одно мгновение из их череды. И, в отличие от статичного изображения на фотографии, живописцы начали передавать в своих картинах колыхание воздуха, изменение объектов и предметов на молекулярном уровне, стали использовать эффекты “смазанного кадра” (предчувствие мгновенной фотографии), динамического изображения, при помощи композиционных необычных приёмов и новых художественных средств (расфокусировка, нечёткий контур, взаимопроникновение всех цветов друг в друга и прочее). Разумеется, это были импрессионисты. Особенно преуспел в работе с фотографии таким образом Эдгар Дега, снимающий самостоятельно жокеев на скачках и балерин в сложных ракурсах, а потом, по фотографиям рисующий удивительно живые, динамичные живописные полотна.
В ХХ веке живопись и фотография полностью отделились друг от друга и они стали развиваться почти независимо. Появились первые журналы по фотоискусству и первые фотовыставки. Художники же, устав от традиционной реалистичной формы освоения реальности, начали предпринимать попытки создания собственных миров и изобразительно-чувственных пространств. Они стали искажать реальность в угоду собственных пластических идей. Из этих экспериментов родился весь русский авангард: экспериментальные течения в изобразительном искусстве рубежа веков и, особенно, начала ХХ века.
Современная художественная реальность, также, не исключает использования фотографии как вспомогательного средства живописца. Существует и масса пограничных и переходных видов искусства между живописью и фотографией. Целые пласты разнообразных видов компьютерной графики, сложной 2- и 3-мерной иллюстрации, фотоколлажей с последующей дорисовкой и обработкой в графических редакторах, арт-объекты и электронные книги - всё это симбиотические виды современного визуального искусства.
Разумеется, просто копированием фотографии маслом на холсте уже никого не удивить - эти художественные приёмы и тонкости ремесла остались в далёком XIX веке. От современного художника, в первую очередь, требуются свежие идеи и оригинальные решения, а какими средствами они выполнены, не имеет значения. Иногда совершенно не ощутима разница между обработанной в редакторе художественной фотографией и живописно-графическим произведением художника-иллюстратора. Мало того, современные мастера научились фотографически точно имитировать не только фактуру и материальность объектов и предметов, но и делать это в виртуальном материале (под акварель, под масляную живопись, под гравюру).
А ещё мастера художественной фотографии, прежде чем браться за конкретный проект, разрабатывают серию идей для фотосессии в формате быстрых композиционных скетчей, представляют и фиксируют графическими средствами основные части, элементы и саму структуру будущих снимков. На серьёзных фотокурсах советуют именно так поступать, прежде чем осуществлять высокобюджетную фотосессию. Такой подход сводит к минимуму риски и помогает “увидеть” кадр до его создания.
Поэтому, в настоящем художественном процессе фотография (цифровая, плёночная, на ретро-аппаратах) и традиционные живопись и графика свободно сосуществуют как сами по себе, отдельными, очень разными видами искусства, так и в тесном единении, во множестве видов визуальной продукции. Поэтому, каждый художник волен выбирать сам, какими средствами выражать свои идеи и мысли в визуальной форме, и в каких компетенциях и средствах. Хочется верить, что технический прогресс только развивает эти идеи и является оригинальным средством для развития мышления художника будущего.
Если вам понравилась эта статья, сделайте следующее:
1. Поставьте «лайк».
2. Поделитесь этим постом с друзьями в социальных сетях или своём блоге.
3. И конечно же, оставьте свой комментарий ниже :)