Рисовать с натуры или по фотографии.

Любой серьёзный художник скажет, что нужно обязательно рисовать, а особенно учиться рисовать, с натуры. И будет прав. Только исследование живой модели, разглядывание её со всех сторон, анализ её формы, объёма, фактуры, цвета, влияние цвето-тональной среды на модель - всё это возможно лишь вживую.

Но, к сожалению, не всегда есть возможность рисовать только с натуры, в этом случае фотография и видео приходят на помощь. Конечно, такие упражнения менее полезны и не так убедительны, но лучше уж рисовать по фото, чем совсем не рисовать. Главное - тактично использовать фотографии. Вот несколько советов.

1) Не копируем фото полностью, а только используем как подспорье. Не нужно перерисовывать фотографию один в один, определитесь, что именно вам нужно для рисунка: пропорции, движение, жест, мимика, поза и так далее. Остальное дополните по своему желанию в соответствии с идеей рисунка. Вот, например, как работал над портретом В. Н. Третьяковой Иван Крамской: фото облегчило труд модели и сэкономило время, не более того.

3) Не забывайте о форме. Часто, особенно в любительских фотографиях, форма лица, тела и многого другого не передаётся должным образом элементарно технически - это не значит, что в картине объёма тоже не должно быть. Это правило работает, разумеется, только в том случае, если у вас задача рисовать реалистично.

4) Цветовой настрой, колорит. Отличие картины от фотографии ещё и в том, что цвета всех элементов картины должны быть гармоничны, составлять колористическое единство. В картине они обусловлены одной идеей произведения и акцентируют внимание зрителя на главном. Например, Врубель очень чётко это понимавший, изменял цвет глаз портретируемого с голубого на зелёный, оттенки кожи с фарфорово-телесного на жемчужно-серый, дополнял среду вокруг модели фактурами и цветом, соответствующими авторскому замыслу.

5) Отказ от лишнего ради главного. Избавление от случайных деталей, концентрация внимания зрителя на самом важном - одна из основных задач художника. А при рисовании с фото стоит держать ухо востро - не мудрено увлечься и прорисовать все 56 пуговичек и 132 реснички вместо того, чтобы подчеркнуть характерный изгиб губ или необычный жест. Этим мастерски владел И. Шишкин, крупный пейзажист, прославившийся своими максимально детализованными, на первый взгляд, пейзажами. На Московском Фотобиеннале в 2002 году были показаны фотографии, заказанные художником фотографу и используемые как подсобный материал при написании картин. Разница между этими фотографиями и картинами художника колоссальна: простая, чёткая композиция, отказ от второстепенных мелочей, списывания, использование тональных пятен, владение линейной и воздушной перспективой - всё это даёт 100 очков вперёд Шишкину, как мастеру.

6) Композиция. Даже если композиционная структура фотографии не случайна, автор тщательно её выверял, уравновешивал, создал действительно что-то новое и интересное, копирование этого всего абсолютно точно не сыграет вам на руку. Копия, даже выполненная в иной технике и материале, всегда хуже оригинала, а реплика менее ценна по сравнению с самим произведением. Создавайте свою структуру, используйте композиционные приёмы, отличные от фото, превращайте спонтанный кадр в произведение искусства.

7) Авторство. При использовании чьего-то изображения полностью или частично, необходимо указать имя автора, идею которую вы используете, это важно. Закона об авторском праве никто не отменял. На фотографии авторские права распространяются в течение жизни самого автора +50 лет после его смерти, поэтому, во избежание недоразумений, лучше использовать собственные снимки или оговаривать с автором гонорар заранее. Для коммерческого использования чужих изображений особые правила, читайте закон.

8) Фотография может быть использована как идея и только, без визуально узнаваемых признаков. Это, пожалуй, самое творческое и правильное использование фотоматериала с точки зрения избежания подражания (но вопрос авторства остаётся открытым). Мастерское владение стилизацией и фантазией ещё и не на такое способны, поверьте (смотри пример из журнала).

9) Изображение движения и сложных ракурсов. Конечно, рисуя бегуна на последних метрах эстафеты, сложно схватить при помощи рисунка секундное состояние атлета: напряжение мышц, отклонение корпуса, мимические изменения. В этом случае фотография поможет запечатлеть яркий момент, а вот сделать его предельно передающим динамику, восторг, напряжение, концентрацию без повествования, обобщённо, с передачей личностного отношения автора - задача художника. К слову, это применял Тулуз-Лотрек, работая над своими афишами и картинами.

10) Комбинированный метод=модель+фото+видео. Один из самых удобных и действенных для художника методов. Я сама использую фотографические референсы, чтобы собрать необходимый материал для будущей картины: наброски и зарисовки, особенно движущейся или застывшей в необычной позе модели, разработка идеи в эскизах. Затем, когда уже есть с чем работать, я смотрю видео, уточняю, делаю отбор случайных ракурсов и жестов от наиболее точных, верных, лаконичных. На последнем этапе я проверяю эскизы на ошибки в анатомии, пропорциях, индивидуальной манере и характере при рисовании с натуры. Без модели тут не обойтись, особенно внимательным приходится быть при рисовании портрета и фигуры человека.

Представляете, есть свои плюсы и минусы при рисовании с фотографии, наша задача - научиться ими оперировать с пользой для себя и своего творчества. Взаимное обогащение двух искусств, живописи и фотографии, развивает художников, совершенствует технику, открывает новые горизонты. Искусство непременно должно идти в ногу со временем, исследовать и отображать мир современного человека. Простое перенесение в изобразительную плоскость видимого мира уже не новость, изобретённый в 1839 году дагеротип, без малого 200 лет помогает художникам это делать.

Так давайте изобретать новые приёмы и принципы использования фото в рисовании, ведь творчество основано на изобретательстве, поиске новых решений, самобытности. Ещё Александр Иванов использовал камеру обскура (предок фотоаппарата) для написания итальянских пейзажей, предшествующих его монументальному труду “Явление Мессии”, так почему современные художники идут за ним вслед, не прокладывая своего пути в изобразительном искусстве? Неужели закончилась эпоха созидателей, новаторов, любящих искусство в себе, а не себя в искусстве?