Личные вещи художника: покупать набором или поштучно?

Спортсмены-фигуристы (те, кто занимается фигурным катанием) никогда не оставляют свои коньки в раздевалке. Это закон ими лично подготовленных вещей. Это самое важное, что может быть готово заранее в их практике. Точно так же поступают танцовщики, которые сами готовят к выступлению пуанты или балетные туфли.

Они сами сшивают или подрезают то, что нужно. И, конечно, они всегда уносят их с собой, потому, что это глубоко личная, важная составляющая часть творческого процесса. Это как индивидуальная зубная щётка, которой вряд ли кто-то захочет поделиться. То же самое и у художника.

Все материалы и инструменты художник готовит сам и под себя, поэтому так важна индивидуальная заточка карандаша, самостоятельный выбор мягкости ластика, я уже не говорю о размере палитры, наборе красок, используемых в живописи и подгонке кистей разного качества. Это само собой разумеющиеся вещи. Например, конкретно в нашей семье было два художника: я и папа. Но мы были абсолютно разными, потому, что у нас были разные школы обучения (разное в нюансах художественное образование) и, конечно, разные пристрастия. Например, палитра красок, которыми мы пользовались, была у нас разная. Конечно, некоторые базовые краски совпадали, к примеру, кадмий, некоторые кобальты. Но, в целом, я предпочитала более “землистую” палитру с яркими вкраплениями плотных, сочных цветов (кобальт синий спектральный, киноварь, кадмий красный тёмный). Папина же палитра была более высветленной: он любил кадмий красный светлый, а из тёмных - умбру жжёную (я использовала умбру ленинградскую натуральную). Некоторые чёрные у нас тоже были разные. Также, мы использовали разные жёлтые: я писала, в основном, кадмием жёлтым светлым, а папа - стронциановой жёлтой. То есть, в наших наборах были абсолютно разные краски: и по химическому составу, и по самому цветовому оттенку. Стоит ли говорить, что наши этюды были абсолютно разными - по живописной манере, по цвету, по композиции.

У нас были разные и кисти: папа отдавал предпочтение самозаточенным кистям, с небольшим скосом уголком - он их подрезал или подтачивал наждачной бумагой для того, чтобы кисть была “остренькой”. Он работал, в основном, плоскими кистями (круглые у него были только тонкие, для того, чтобы прописывать детальки). Папиными кистями я не могла писать абсолютно, потому, что для меня это было что-то несусветное. Как так кисть может вести неровный слой краски с небольшими прожилками, а работать затирками! Я любила кисти с длинным ворсом - папа со средним или с коротким. Я считала удобным кисти с ручкой средней длинны, папа - с короткой. Он даже специально подрезал черенки своих кистей (одно время была мода на такие длинные, как в эпоху Возрождения, кисти). Папа их специально подтачивал, чтобы кисть с черенком была не длиннее 20 сантиметров. Ну, и у каждого, конечно, были любимые кисти, которыми мы никогда не делились даже друг с другом. Например, у меня была кисточка, примерно №8, синтетическая, такая круглая, я ей очень любила писать на пленере. У папы же в ходу была самая популярная кисть, примерно 1,5 сантиметра шириной, тоже скошенная, из мягкой щетины. Она была незаменима в его творческом процессе.

Вот такие, вроде бы похожие, родные, живущие в одной квартире художники, любили совершенно разные вещи и работали совершенно по разному. Если папа вёл работу, в основном, “а-ля прима” (сразу), вписывая оттенки сочные, тёмные, а иногда и светлые почти единомоментно и сразу корпусно, то я предпочитала послойное нанесение.

“В чём же мораль всего этого?” - спросите вы. Дело в том, что художественные материалы и инструменты настолько индивидуальны, что нельзя точно сказать, что именно подойдёт большинству. Если заниматься изобразительным искусством серьёзно, то можно в процессе понять, что вам подойдёт больше. Допустим, я люблю чтобы карандаш был заточен очень остро. И даже в моём пенале хранятся карандаши уже сразу с заточкой, чтобы я могла в любой момент их вытащить и начать рисовать. И я люблю длинную заточку. Большинство современных иллюстраторов, наоборот, предпочитают фабричную короткую заточку и пользуются точилкой, чтобы сэкономить время - для них оно важнее, чем изобразительные возможности линии или штриховки. Ластики я люблю пожёстче, а художники портретисты - мягкие, чтобы не оставлять излишних фактур в лице. Это всё варьируется в зависимости от того, как вы ведёте работу, какие изобразительные средства используете, каких эффектов хотите достичь. Всё нарабатывается долгими годами путём практики. Поэтому, уважаемые художники, если вы берёте какой либо мастер-класс, пробуйте рисовать самостоятельно - все материалы, которые указаны в аннотации, даже если они указаны дословно: каждая краска прописана четко по своему названию и светостойкости, не всё может получиться именно так, как предсказывалось и планировалось.

Не факт, что всё описываемое подойдёт именно вам, нет гарантий, что вы сразу сможете добиться именно того, чего хотите. В этом и заключается процесс творчества: научиться классике, технологии, сначала понять и реализовать на практике как рисовать правильно, а уже потом, давать волю эксперименту, и фантазии, организовать под себя всю “кухню” художника, а уже потом самовыражаться. И этому, как раз, научиться уже сложно - каждый вырабатывает своё собственное видение, изобразительный язык, базу инструментов и материалов. Сейчас, к счастью, возможности для этого безграничны: можно пробовать, экспериментировать, работать как удобно и чем угодно. Естественно, понимая меру и степень ответственности (технология, сохранность, единство формы и содержания и так далее), вы ведь не ходите по улице зимой в одних плавках просто потому, что вдруг захотелось одеться именно так, правда? Творчество, всё-таки должно быть в рамках разумного.

Поэтому, я считаю, что нам очень повезло, что мы живём в такую эпоху, после эпохи дефицита (которую я в своё время прочувствовала на себе и мне есть что с чем сравнить). Это просто какой-то праздник! Это замечательно, что всегда можно приобрести любой материал или художественный инструмент: от пастельных мелков до офортной краски. Давайте будем пробовать, учиться, нарабатывать свои художественные материалы и инструменты, свою авторскую технику и конечно, показывать, делиться своими наработками, потому, что именно для этого и существует художник. Делиться тем, что он создаёт, делиться своими мыслями, идеями, эмоциями, чувствами, ощущениями через рисунки, картины, гравюры, росписи и панно.